Qual è la Relazione tra Moda e Arte?

Non ci vuole molto per vedere che il confine tra moda e arte ha iniziato rapidamente a sfumarsi negli ultimi due decenni. La moda si è fatta strada nei musei più importanti e gli artisti vengono chiamati dalle case di alta moda come testimonial e ambassador. Ma non è sempre stato così. L’arte è stata a lungo considerata superiore alla moda, secondo l’idea per cui “l'arte è seria, la moda è frivola”. Ma quindi, cosa è cambiato? Che tipo di sensibilità si è sviluppata per far sì che arte e moda si avvicinassero sempre di più?

La Nascita del Legame tra Moda e Arte

A fare da vero spartiacque rispetto al periodo in cui la moda era considerata semplicemente “un capriccio da donne” è stata la nascita dell'haute couture, nella figura del Charles Frederick Worth, stilista britannico della seconda metà dell’Ottocento.

Prima di Worth, la moda era principalmente questione di istruire una sarta su ciò che si voleva, con la guida di immagini nei feuilletons e nelle affiches, i primi esempi di pubblicazioni di moda, che avevano cominciato ad essere ampiamente diffuse a partire dalla metà del XVIII secolo.

In particolare, Worth associava “haute” a “couture” così come si associa l’aggettivo “belle” alla parola “arti” (in francese, la parola beaux arts distingueva le arti superiori dalle arti ritenute inferiori, come l’illustrazione o la gastronomia).

Worth fu il primo a far conoscere i suoi abiti come sue “creazioni”: divenne mecenate dell'imperatrice Eugenia, non molto tempo dopo aver fondato la sua casa di moda nel 1858. Gli fu chiesto – “commissionato”, come potremmo dire per artisti e architetti - di "creare" abiti per alcune delle nobildonne più note dell'epoca.

Il Dandy e l'Opera d'Arte Vivente

Charles Baudelaire e il suo contemporaneo Jules Barbey d’Aurevilly furono tra i primi a prestare attenzione al concetto di dandy. Il dandy era un'opera d'arte vivente: abbigliamento, linguaggio, portamento e pose costituivano un insieme di fattori vincenti che trasformavano un individuo in un personaggio capace di esibire se stesso.

Le apparenze, per un dandy, erano tutto: il suo modo di vestire e il suo portamento ne facevano un connubio di attrazione e mistero, simile a quello di un’opera d’arte seducente.

L’Interesse delle Avanguardie per l'Abbigliamento e per il Costume

Dalla fine dell'Ottocento divenne sempre più evidente che gli artisti sperimentavano forme alternative di abbigliamento, non solo come mezzo di espressione “mobile” e “indossabile”, ma anche come contrasto agli interessi di un mercato commerciale inesorabilmente in crescita.

Artisti come Van de Velde e Klimt hanno disegnavano i propri abiti per distinguersi grazie alla propria sensibilità creativa (lo stesso Klimt posò per molte fotografie indossando il suo ampio abito monastico).

Il Legame tra Moda e Arte nel “Mondrian Dress” di Yves Saint Laurent

Forse l'evento più noto degli anni successivi alla Seconda Guerra Mondiale in cui possiamo rintracciare il legame tra moda e arte è l'abito Mondrian lanciato da Yves Saint Laurent per la sua collezione autunnale nel 1965. Piet Mondrian, da cui l’abito prende il nome, fu un pittore del movimento “De Stijl”, anche chiamato neoplasticismo. Oggi potremmo dire che le sue opere sono diventate popolari soprattutto grazie all’abito di Saint Laurent.

Nella prima versione, Laurent utilizza le audaci linee nere orizzontali e verticali – in particolare, era anche sensibile al fatto che in Mondrian hanno una larghezza irregolare – in contrasto con lo sfondo bianco e i blocchi di colori primari.

L'abito Mondrian rappresentava una rottura con le precedenti appropriazioni dell’arte pittorica da parte della moda: il dipinto di Mondrian non si è semplicemente innestato come immagine sull’abito, ma è diventato tutt’uno con esso.

Dall’Arte Femminista a Lady Gaga e al “Political Fashion”

Gli artisti hanno spesso usato la moda come tramite per forgiare le loro opere, ma le opere stesse, poi, sono state più ampiamente conosciute e dibattute solo quando l’arte ha cominciato a dialogare con l’industria della moda. Per esempio, quando l’artista canadese Jana Sterbak espose per la prima volta il suo vestito fatto di carne, "Vanitas: Flesh Dress" non ricevette molta attenzione. Come suggerisce il titolo, l'opera parla della vanità corporea e della scomparsa della bellezza, ma è anche un'opera profondamente femminista che commenta come i corpi delle donne siano pezzi di carne oggettivati.

L’opera fu attenzionata, invece, dalla massa, quando Lady Gaga apparve agli MTV Awards del 2010 con un vestito e un cappello di carne cruda.

L'esempio di Lady Gaga è il culmine di una tendenza che inizia alla fine degli anni '70, con una generazione di stilisti le cui creazioni sono da un lato opere scultoree, dall’altro forme di critica socio-politica al pari dell’arte.

Jean-Paul Gaultier, noto per il suo talento ad ampio raggio, nel 2003 ha sponsorizzato una mostra al Costume Institute del Metropolitan Museum of Art dal titolo: Braveheart: Men in Skirts, che comprendeva il lavoro di Dries van Noten e Vivienne Westwood.

La stessa Westwood è emersa sulla scena della moda negli anni '80 con il suo allora compagno Malcolm McLaren, utilizzando collezioni e passerelle per fare taglienti commenti sociali e attivismo politico. Titoli memorabili includevano Savages (1981), Punkature (1982) e Propaganda Collection (2005-6).

L’Incontro di Moda e Arte in Marina Abramovich

Marina Abramovich è una nota performer, esponente della cosiddetta “body art” che si esprime, per l’appunto, attraverso il corpo.

Il corpo, fin dai suoi primi lavori, è sempre stato alla pari di un vestito da indossare attraverso cui comunicare se stessa.

Nelle sue opere si è denudata, ferita, si è incisa perfino una stella sanguinante sull'addome, usando questi “tagli” sul corpo come una finestra sull’interiorità umana. È nota una delle sue prime mostre, “Rhythm 0″, dove, durante una performance di sei ore, ha deciso di esplorare la resistenza del corpo e della psiche umana spingendone i limiti in base al volere delle persone: queste erano infatti libere di usare su di lei, che restava ferma e immobile, oggetti di vario tipo, tra cui anche delle forbici, delle spine di rosa e una pistola. Dimostrò così che l’individuo è naturalmente predisposto a trattare i più deboli e indifesi come oggetti, se ne ha l’occasione.

Questa sensibilità non poteva fare a meno di dialogare più da vicino con la moda, da lei ritenuta espressione dell’interiorità umana alla pari di quelle che erano le potenzialità del corpo da lei esplorate.

“Ho iniziato a interessarmi apertamente alla moda e ho cercato di creare il mio stile utilizzando diversi elementi di ciò che è di moda in quel momento. Da quando ho conosciuto Riccardo Tisci sono diventata una fedele estimatrice dei suoi abiti e con loro mi sento davvero al meglio”, racconta in un’intervista ad “Another Magazine” nel 2010.

Nel 2011, Marina Abramovic e il suo caro amico, il designer di Burberry Ricardo Tisci, hanno collaborato infatti a "The Contract", una storia raccontata attraverso una fotografia. In essa, l'artista e il designer posano come una Madonna con il suo bambino, sollevando domande sul rapporto spirituale tra moda e arte.

Da quel momento, l'inizio di numerose collaborazioni con brand e designer internazionali l'hanno aiutata ad accentuare non solo la sua visibilità come performer, ma anche a celebrare la crescente sintonia tra arte e moda.

Il mio Punto di Vista su Moda e Arte

Molti non lo sanno, ma nasco come costumista, motivo per cui l'esplorazione del rapporto tra moda e arte è sempre stato un focus importante nel mio lavoro.

Tuttora infatti mi dedico a trovare e analizzare tutte le possibili intersezioni tra storia, moda, tendenze, psicologia e arte, per affrontare il modo in cui lavoro a contatto con gli abiti (ma soprattutto con chi gli abiti li indossa - le donne) con uno sguardo più critico e creativo.

Ad esempio, ammirando le opere di Lucio Fontana, "I Tagli", vedo un legame non solo con la femminilità, ma anche con particolari di abiti come spacchi e cut-out.

Attraverso i suoi "Tagli" l'artista cercava un modo di andare al di là della superficie, al di là delle apparenze, invitando lo sguardo a immaginare cosa ci fosse oltre.

E questo concetto mi sembra possa valere sia per le donne - delle quali spesso si apprezza solo la superficialità nel momento in cui le si riduce ad oggetto, e delle quali, invece, bisognerebbe ammirare personalità, profondità e spessore - sia per un vestito con uno spacco - che rompe la superficie del tessuto per far immaginare "cosa c'è dietro".

Ho, tra l'altro, una concezione della donna come musa e opera d'arte allo stesso tempo: per le donne c'è la necessità di prendere ispirazione da se stesse, da ciò che hanno nel profondo, come fossero delle vere e proprie muse ispiratrici, perchè è solo così che potranno fare della loro vita un capolavoro.

Questo trova un riscontro nella moda in quella che io definisco "Fashion Therapy", la terapia che parte dall'abbigliamento per permettere alle donne di comunicare se stesse agli altri, proprio come farebbe un'opera d'arte, per emanciparsi dal giudizio esterno e concentrarsi esclusivamente su chi loro vogliono essere e su cosa loro desiderano ottenere dalla propria vita.

Cosa Significa la Parola Abito? Ce Lo Spiega la Sociologia!

Sai cosa significa la parola "abito"? Questo termine, con cui identifichiamo un semplice capo da indossare, ha in realtà un significato molto profondo.

Partiamo da un fatto molto semplice: l'importanza dell'abbigliamento va ben oltre la mera funzione di coprire il corpo. Essa si estende profondamente nella nostra esistenza, riflettendo la complessa interconnessione tra individuo, comunità e società. Un eccellente esempio di questa interconnessione è dato dalla parola "abito", che nasconde radici linguistiche molto interessanti dal punto di vista sociologico. Vediamo di cosa si tratta!

L'Etimologia della Parola Abito

La parola "abito" condivide una radice comune con due termini latini: "habitus" e "habitat". Questi concetti possono apparire distanti dal mondo dell'abbigliamento, ma in realtà gettano luce su un aspetto fondamentale dell'essere umano e del modo in cui si veste: la sua integrazione all'interno della società e dell'ambiente che lo circonda.

Abito come Habitus

L' "habitus", concetto presente nella teoria del sociologo francese Pierre Bourdieu, è in parole povere ciò che incarna le nostre abitudini, il nostro modo di agire e di reagire all'interno della comunità in cui ci troviamo. È come una seconda natura, una serie di gesti e comportamenti che sono modellati dalle norme e dalle aspettative sociali. Ma cosa centra questo con l'abbigliamento?

Quando selezioniamo un abito da indossare, stiamo in realtà comunicando una parte del nostro "habitus" alla società che ci circonda. È come se il nostro abbigliamento parlasse per noi, rivelando ciò che siamo o ciò a cui aspiriamo diventare.

Abito come Habitat

L'"habitat" è l'ambiente in cui viviamo e interagiamo. Questo concetto non si limita solo agli spazi fisici, ma si estende anche alle dinamiche sociali, alle norme culturali e agli schemi di vita che caratterizzano una determinata comunità. Anche in questo caso, qual è il legame tra habitat e abito?

La scelta dell'abbigliamento è, in realtà, un atto di adattamento all'habitat, poiché ci sforziamo di far parte di un ambiente specifico e di comunicare la nostra identità all'interno di esso e delle sue dinamiche.

La Prospettiva Sociologica dell'Abito

L'atto di scegliere cosa indossare, in fin dei conti, è un atto sociale, un modo attraverso il quale ci inseriamo nel tessuto della società. Ogni abito che indossiamo diventa un veicolo attraverso il quale comunichiamo il nostro "habitus" e cerchiamo di trovare il nostro posto all'interno del nostro "habitat".

Per esempio, se una donna indossa tailleur e completi strutturati, comunicherà un’identità da donna con obiettivi di crescita professionali, dentro e fuori dall’ambiente lavorativo, perché vorrà essere riconosciuta nel suo spazio sociale in quanto tale.

Questo processo è intrinsecamente sociologico, poiché rivela come un abito possa rappresentare un mezzo per esprimere la nostra identità, relazioni e aspirazioni all'interno di una struttura sociale più ampia.

Un abito è un riflesso delle complesse connessioni che condividiamo con il mondo che ci circonda, un ponte tra il nostro essere individuale e il nostro ruolo all'interno della società. In definitiva, ogni abito che scegliamo di indossare racconta una storia, una storia che parla del nostro desiderio di appartenere e di esprimere chi siamo, in un mondo complesso e in continua evoluzione.

Perché Indossare la Gonna? Storia e Psicologia del Capo Femminile per Eccellenza

Negli ultimi decenni, complice l’emancipazione femminile, è stata largamente soppiantata da jeans e pantaloni. Eppure, il fascino elegante e decisamente femminile della gonna resta qualcosa di innegabile! In denim, mini, a tubino, lunga, a portafoglio: qualunque sia il modello, questo capo sprizza femminilità da tutti i pori. Ma c’è qualcosa di ancora più affascinante riguardo questo indumento che forse ancora non sai.

Leggi le prossime righe di questo articolo, e scopri di più sul potere spirituale della gonna: ti aiuterò a capire perché è così importante indossarla quando hai bisogno di recuperare energie!

La Gonna: Il Suo Ruolo Nell’antichità

Innanzitutto, se andiamo indietro nel tempo fino all' antica Grecia e all'Impero Romano, scopriamo che la gonna non era un capo indossato solo dalle donne. Anzi! Era abitudine comune per tutti gli uomini di un certo ceto sociale indossare vesti larghe e lunghe fino alle ginocchia, che lasciassero scoperti gli arti inferiori. In effetti, questo tipo di indumento molto simile a una gonna risultava estremamente comodo per tutti coloro che, ricoprendo le più alte cariche della società, non avevano alcun tipo di lavoro fisico da svolgere.

È un dato di fatto che la gonna non sia molto pratica per chi ha da svolgere attività in movimento. Lo sapevano le donne russe dell’antichità, che avevano l’usanza di indossare tre panni uniti e fissati in vita con un cordino di lino, di lana o di cotone. Infatti, questi panni non erano cuciti tra di loro, poiché la cucitura avrebbe ridotto la loro libertà di movimento in maniera considerevole.

Perché Le Gonne Sono Collegate Al Genere Femminile?

Ma se nell’antichità le gonne erano indossate indifferentemente da uomini e donne, perché si è arrivati ad un certo punto della storia in cui questi indumenti sono diventati un vero e proprio attributo di femminilità? Ora provo a spiegartelo!

Con l’affermarsi del cristianesimo e della relativa concezione della donna prima di tutto come “madre”, si è cominciata a diffondere l’idea che questa, per concepire, partorire e crescere i propri figli, dovesse ricorrere ad energie ulteriori a quelle normalmente disponibili agli umani: si pensava, infatti, che dovesse fare affidamento anche alle energie della Madre Terra.

L’utero era immaginato come un vaso dove l’energia terreste andava ad accumularsi: una prerogativa, quindi, esclusivamente femminile, e gli uomini non potevano ricevere tale tipo di energia che dalle donne, ovviamente attraverso l’atto sessuale.

In questa ottica, nell’indossare dei pantaloni una donna avrebbe finito per bloccare quel canale energetico che la collega alla Madre Terra, l’unico mezzo di trasmissione di energia che l’avrebbe resa non solo feconda, ma anche capace di trasferire questa stessa energia anche all’uomo. Insomma, una donna senza gonna sembrava essere un’apocalisse annunciata!

Perché Indossare La Gonna?

Oggi il 99% delle donne non riesce a immaginare un armadio che non includa almeno un paio di pantaloni o di jeans. E in effetti, come si fa a negare la loro comodità e praticità? Con i pantaloni si può correre, ci si può stravaccare e ci si può piegare senza temere di svelare nulla delle proprie parti intime. Duole dirlo, ma gonne e vestiti sono freni naturali alla dinamicità.

Tuttavia, se adottiamo una visione simbolica della questione relativa alla gonna, perché non proviamo a vedere l’altra faccia della medaglia? In pratica, se i pantaloni simbolicamente sono legati al movimento, alla fretta, alla voglia di fare, la gonna d’altro canto sarà collegata ad uno stato d’animo di rigenerazione e recupero delle energie.

Qual è la Simbologia delle Gonne?

Tra l'altro, ho provato a stilare 3 profili psicologici relativi a 3 diversi modelli di gonna, sulla base di alcuni cenni storici e osservazioni personali: ti va di scoprire quella che senti più tua?

Gonna a Tubino

La gonna a tubino, con la sua silhouette slanciata e raffinata, incarna il simbolo della donna indipendente e intraprendente, che persegue con passione e determinazione la sua carriera e le sue ambizioni.

Questo capo di abbigliamento racchiude in sé una storia affascinante e ispiratrice, che affonda le radici nella pionieristica avventura dell'aviazione e nella forza intrinseca delle donne che sfidano i confini tradizionali. La prima donna americana ad aver visitato i cieli a bordo di un aeroplano, Mrs. Edith Ogilby Berg, ebbe l'audace idea di adattare il suo abbigliamento alla sua avventura in volo.

Per la necessità di evitare qualsiasi possibile incidente causato da tessuti svolazzanti, la Berg ebbe l’intuizione di legare la sua lunga gonna con una corda, fissandola proprio sotto le ginocchia. Questo accorgimento pratico non solo consentì un'esperienza di volo più sicura, ma diede anche origine alla forma distintiva della hobble skirt, che oggi identifica la gonna a tubino.

Ecco perché ad oggi, la gonna a tubino rimane un'icona di eleganza, ma anche di potere e ambizione femminile.

Gonna con Spacco

Quando si parla di una gonna con spacco, l'immagine che viene solitamente evocata è quella di sensualità e femminilità. E di fatto, la donna che ama indossarla è tendenzialmente molto libera e audace.

Tuttavia, sorprendentemente, l'origine dello spacco non è legata all'intento di seduzione. Piuttosto, la sua nascita è avvolta dalle esigenze concrete e rivoluzionarie del ventesimo secolo. Il Novecento ha infatti visto un cambiamento profondo nel ruolo della donna nella società. In un'epoca in cui le donne iniziarono a lottare per diritti paritari e per uscire dai confini dell'ambiente domestico, l'abbigliamento dovette adattarsi a queste nuove sfide.

La necessità di movimento, comodità e praticità divenne cruciale per le donne che abbracciavano una vita più attiva e impegnata. La gonna con lo spacco, quindi, ebbe una funzione pratica sin dalla sua concezione: offrire alle donne la libertà di movimento necessaria per partecipare a una sfera pubblica in continua evoluzione. Infatti, dal Cinquecento, le donne dell'alta società indossavano esclusivamente gonne con strutture di metallo simile a gabbie, pensate per renderle più ampie: erano rigide e tremendamente scomode, ma simbolo di classe elevata, poiché chi le indossava non aveva bisogno di muoversi agilmente.

Con il Novecento,  le donne hanno cominciato a lottare per il loro ruolo nella società e nel mondo del lavoro, e la gonna con lo spacco divenne una rappresentazione visiva di questa emancipazione. Le gambe, tradizionalmente nascoste e modeste, vennero celebrate e rese protagoniste attraverso questa "apertura", sia concreta che simbolica, poiché non solo consentiva la libertà di movimento, ma esprimeva anche il desiderio di rompere con le norme convenzionali.

Gonna a Ruota

La gonna a ruota è un capo di abbigliamento intramontabile che evoca grazia, giocosità e femminilità, ma è molto più di un semplice indumento, perché anche essa incarna una testimonianza delle trasformazioni sociali del XX secolo.

La sua creazione ad opera di Christian Dior, nel contesto post-bellico degli anni '50, rappresenta un momento di svolta nel mondo della moda e nella vita delle donne. Dopo gli anni di austerità e privazioni vissuti durante la seconda guerra mondiale, era giunto il momento di abbracciare la rinascita e di abbandonare il rigore imposto dal conflitto mondiale.

In questo scenario, Dior introdusse la gonna a ruota come una dichiarazione di ritorno alla leggiadria. Con la sua struttura voluminosa e la vita strizzata, questa creazione rivoluzionaria fu in grado di catturare l'attenzione e il cuore delle donne di tutto il mondo, offrendo loro un'alternativa alle vesti più sobrie degli anni precedenti.

Il suo stile festoso e giocoso rifletteva il desiderio di riscoprire la gioia e la bellezza nella quotidianità, così come il potenziale inesauribile della femminilità. Infatti, la dinamicità della ruota che caratterizza questa gonna va oltre il suo aspetto fisico. Essa è un simbolo eloquente di cambiamento e rinnovamento: proprio come una ruota in movimento, la gonna a ruota rappresentava, in pratica, la forza "motrice" delle donne nel rigenerare la società.